por Bill Kelley, Jr.
Panel Encuentro De-Formación: Estando Aquí Haciendo Algo conference, Mexico City, 2014.
Mi primera gran viaje por Pacific Standard Time: LA / LA comenzó curiosamente en Shanghai, donde era miembro del jurado para el premio Internacional de Arte Público. Fue éstos intensa serie de conversaciones con gente como Uta Meta Bauer, Lewis Biggs, Jay Pather, y Pooja Sood sobre las características calificativas de lo que constituye buenas prácticas de arte público en todo el mundo que realmente me preparaba para la próxima semana en la Ciudad de México como participante de la 2º Encuentro De-Formación: Estando Aquí Haciendo Algo conferencia. La conferencia, que duró una semana, fue organizada por uno de los colaboradores de Talking to Action David Gutiérrez Castañeda y patrocinado por el Centro Cultural de España. Mi presencia en la conferencia sirvió para dos propósitos: primero, que era el lugar donde muchos investigadores de arte comunitario, cuyos trabajos respeto, presentaría. Era la oportunidad de introducir Talking to Action, recibir comentarios sobre el proyecto y abrir un diálogo en persona con algunos investigadores claves que van a participar en la fase de investigación de este proyecto. El segundo propósito fue observar algunas prácticas impulsadas por la comunidad en la Ciudad de México que se introducirían a través de la conferencia, así como llevar a cabo mi investigación. Algunos de los artistas e investigadores presentes incluyeron: Suzanne Lacy, Peter McLaren (EE.UU.), Inter-ferencia, Andrés Arredondo (CO), Mabel Tapia (AR), Alejandro Cevallos, María Fernanda Cartagena (EC), Maite Garbayo (ES), Paulina Varas (CL), Alfadir Luna, Katia Olalde (MX) y otros.
Poster for Encuentro De-Formación: Estando Aquí Haciendo Algo conference, Mexico City, 2014.
A diferencia de las conferencias de perfiles altos como el Creative Time y el Open Engagement en los EE.UU., Encuentro De-Formación está comprometido sencillamente a intercambios rigurosos y es inequívocamente político, tanto en su estructura discursiva y la selección de los estudios de caso. El compromiso contextual de la conferencia con realidades sociales y políticas es rara y bienvenida. A partir del análisis transdisciplinario de metodologías pedagógicas a las preguntas honestas sobre las limitaciones del arte y el mundo del arte, el enfoque en dimensiones descoloniales y políticos de las prácticas colaborativas es muy necesaria en la disciplina en este momento y tiene lecciones importantes que nos ofrecen aquí en el norte.
¿Qué tiene que ofrecer exactamente? A empezar, podemos (re)introducir el concepto de la relación intrínsecamente colonial que se encuentra incrustado en el marco textual y política de cualquier relación entre los EE.UU.. y la mayor parte de América Latina. El hecho de que esta realidad casi nunca es reconocida dentro de las plataformas de artes transfronterizos (mucho menos dentro de las comunidades de color en los EE.UU.), es evidencia de una mayor falta de comprensión de la materia metodológica e histórica que es “práctica social.” Este será un punto de debate que espero poder llevar adelante con los investigadores, tanto en línea como en persona. Por el momento déjenme volver a mi resumen de la Ciudad de México y Oaxaca…
Uno de los beneficios de hablar en la conferencia fue la oportunidad de tomar viajes individuales para visitar las cuatro FAROS adentro y alrededor de la Ciudad de México. FAROS (Fábricas de Artes y Oficios / Artes y Oficios de la fábrica) tienen grandes campus financiados por la Secretaría de Cultura que proporcionan numerosos talleres, apoyar arte y artesanía local, funcionan como centros de información y de aprendizaje para todo tipo de esfuerzos culturales. Cada FARO tiene un carácter distinto dependiendo de la región donde está ubicado – algunos dan énfasis en asuntos ambientales, mientras que otros se centran en las tradiciones de artesanías regionales. Cada visita duró un día y fueron seguidas por conversaciones con el personal y la administración donde compartimos nuestras observaciones y aprendimos más sobre su trabajo y los desafíos que se enfrentan.
Faro de Oriente: http://farodeoriente.org/
Faro Tláhuac: http://farotlahuac.org/
Una de las preocupaciones recurrentes con respecto a Talking to Action fue el tema de “por qué” traer las prácticas comunitarias al mundo del arte: una pregunta válida. ¿Qué gana el Getty o Colegio de Otis, o, lo que es más, Los Ángeles, de tener proyectos que han tenido muy poca interlocución con el mundo del arte puesto en este campo? Qué, si nada, se benefician las prácticas de esa invitación? Esta fue una importante comentario en cuanto a nuestra investigación colectiva y nuestras posiciones como curadores y teóricos en el campo. La siguiente serie de entrevistas en audio es el primer paso para abordar esta importante pregunta.
Artistas y prácticas notables que he visitado incluyen el taller de Alfadir Luna (MX) quien, en los últimos años, ha desarrollado una práctica con los comerciantes del Mercado de La Merced en el centro histórico de la ciudad. El lugar se ha utilizado como un sitio comercial que se remonta a tiempos precolombinos, pero las amenazas recientemente enfrentando el mercado son desarrolladores, incluyendo aquellos dentro del gobierno local, quienes desean “limpiar” el mercado de sus actividades extra-legales, incluyendo prostitución y ventas de drogas. Alfadir ha instalado a sí mismo como un artista y organizador en el mercado y ha ayudado a desarrollar un centro para la “reflexión cultural” donde los comerciantes pueden activar diversos procesos sociales y culturales.
Una de estas medidas fue un proyecto llamado “El Hombre de Maíz” (El hombre hecho de maíz) quien, en palabras de la artista, “es un signo vacío” por diversas tradiciones dentro del imaginario del mercado que sobrevivió en festivales y otros eventos de la comunidad dentro de la Merced. Suzanne Lacy y yo tuvimos el placer de pasar un día entero con Alfadir en La Merced conociendo a muchos comerciantes con quienes trabaja y aprendiendo sobre los desafíos que enfrenta el mercado actualmente.
Otras visitas incluían pasar una tarde con Iván Puig y Andrés Padilla Domene hablando de su proyecto SEFT-1 (Sonda de Exploración Ferroviaria Tripulada / Manned Railroad Exploration Probe). SEFT es un vehículo autodiseñado a viajar sobre las vías, así como en las carreteras, y está destinado a ser una sonda de exploración que permite tanto las ferronautas a explorar la historia o inversión de capital a través de los ferrocarriles abandonados- la historia y narrativa de progreso en México- y al mismo tiempo reunir y el dialogar con los ex trabajadores para crear una historia íntima de ferrocarril.
Iván y Andrés me invitaron a su casa con el fin de darme una copia de su libro y ver los materiales de archivo que se recogieron en su viaje: Rocas por un pueblo llamado Marte, fragmentos de materiales de construcción europeos trajeron a través de ferrocarril hacia el interior de México, viejos picos de ferrocarril y pedazos antiguos de equipo de ingeniería – tecnología durante largo tiempo olvidado. Nuestra conversación terminó discutiendo la historia del ferrocarril en Los Ángeles, y la historia bien conocida de cómo los intereses privados desplazaraon un extenso sistema ferroviario público con el fin de construir las autopistas y la ciudad del futuro.
La pregunta de “por qué” traer las prácticas comunitarias al mundo del arte era constante durante todo el viaje; como resultado, he tenido la oportunidad de tener numerosas conversaciones fructíferas con artistas como Jorge Linares de El Hilo de Ariadna, un grupo frente a la narcoviolencia, así como Fernando Fuentes del colectivo La Lleca, un grupo de trabajo con los jóvenes en el sistema federal penitenciario. Curador de la plataforma de investigación y exposición recién concluido Entre Utopía y Desencanto Sofía Olascoaga compartió sus pensamientos sobre un proyecto que tendrá similitudes con Hablando con Acción. Entre Utopía y Desencanto era una extensa investigación de linajes pedagógicos que atraviesan la obra de Ivan Illich en Cuernavaca, así como la propia historia personal de la familia de Sofía. También tuve la suerte de visitar la Fundación Alumnos 47 a través de una invitación del curador Jessica Berlanga Taylor. Alumnos 47 es una nueva fundación que se está desarrollando la programación de prácticas comunitarias en el sitio así como también una biblioteca (ambas fuera y en el local). Mi conversación con Jessica regresó a los temas de cómo mantener una relación recíproca con artistas haciendo este tipo de trabajo – en otras palabras, cómo gestionar la práctica social? Artista Diana Cardona me guió a través de un audio guía bellamente poética e informativo de la galería del sótano de la Casa Cultural de España y la Plaza Mayor ruinas titulado ¿Quién es el habitante de la casa? – se trata de la memoria y de la vida cultural contemporánea en un entorno complejo como el Distrito Federal. Por último una cena con la curadora Lucía Sanromán y Giacomo Castagnola fue, como siempre, un recordatorio necesario en la forma de equilibrar el trabajo y el juego con la conversación es cómo navegar proyectos extensos con numerosas partes móviles, particularmente en el ámbito del campo emergente de la Práctica Social.
Mi visita a Oaxaca fue breve, pero me las arreglé para visitar rápidamente el centro de arte La Curtiduria que fue recomendado para mí por muchas personas. Artista Mónica Castillo, que ayuda a manejar el espacio no era capaz de estar en la ciudad en el momento, pero me puse a tocar con dos proyectos sorprendentes. Uno de ellos era el trabajo de Jaime Ruíz Martínez, quien junto con Alex White Mazzarella iniciado el proyecto Patria Nueva, en las afueras de Oaxaca. Conocí a Jaime en el Centro de Diseño de Oaxaca, donde también trabaja como Director de Desarrollo de Proyectos. El proyecto toma su nombre del barrio en las afueras de la ciudad, colonia Patria Nueva, donde Jaime y sus vecinos han estado organizando proyectos educativos dirigidos por la comunidad, que van desde la siembra lecciones en técnicas tradicionales de bordado regionales para el desarrollo de un jardín de la comunidad. El nivel de los vecinos tenía dedicación al proyecto fue impresionante.
El otro proyecto es el proyecto del artista Saúl López Velarde, Balcones, que se inició en el mercado central de la ciudad. Saúl se hizo cargo de un puesto del comerciante en el mercado y comenzó a trabajar con la comunidad de mercado no. En este día Saúl tomó niños de primaria al Museo de Arte Contemporáneo para ver una instalación de una documentación de performance en la que los estudiantes habían participado previamente. La escuela estaba situada al otro lado de la calle del mercado, y la mayoría, si no todos, de estos estudiantes trabajaron con sus padres en el mercado cuando no estaban en la escuela. Saúl ve su trabajo, tanto como un maestro en la clase así como en el Mercado, como la obra de un artista “dando forma a la escultura social”, para ponerlo en sus palabras.
Salí de estas visitas a hacerme la misma pregunta que se planteaba a mí por los investigadores en la Ciudad de México y dos semanas antes: ¿por qué traer las prácticas basadas en la comunidad en el mundo del arte? Mi largo tiempo colaboradora María Fernanda Cartagena, así como Mabel Tapia eran tanto asertivo en pedirme que examinar esta cuestión. Ambos investigadores, junto con David Gutiérrez, cuestionado de manera muy productiva, la lógica de la elaboración de estas prácticas ya que los tres “arte.” – junto con los demás participando en la conferencia – son miembros del colectivo de investigación Red de Conceptualismos del Sur y este tema más amplio era importante que ellos habían discutiendo internamente. Mi propia visión personal sobre este, sin duda, está coloreada por mi educación en los EE.UU. y mi entrenamiento con eruditos como de Grant Kester y trabajar con artistas como Suzanne Lacy: No tengo preocupaciones éticas con los trabajadores culturales de cualquier tipo que se hacen llamar artistas, o lo que hacen “arte”. De hecho, Me siento un sentido de responsabilidad para no abandonar los términos de los intereses del mercado – en sus variadas formas. Pero, de nuevo, Yo vengo de una U.S. perspectiva donde los museos tienen una realidad económica muy diferente, poseer relaciones muy diferentes a las historias y la política nacional y tienen diferentes mandatos pedagógicos dentro de sus respectivas comunidades. Es comprensible que cuando utilizo el término “artista” no tengo las mismas dinámicas históricas respaldándolo.
¿Por qué traer las prácticas basadas en la comunidad en el mundo del arte? Esa será una de las muchas preguntas que en curso, como un grupo, tendrá que asumir y discutir en el próximo año. No va a ser sólo un tema que ejemplifica nuestras diferencias (LA/LA), pero va a ser un punto de partida, en lo que es de esperar que un diálogo intercultural entre los investigadores más, actores culturales, y “artistas”, así.
